Faceless Burial – Multiversal Abattoir, EP: hell’s gate down under

Faceless Burial Multiversal Abattoir EP

[english translation of: Faceless Burial – Multiversal Abattoir, EP: Höllentor Down Under]

Australia has a reputation as one of the most brutal places in the world. Although its inhabitants are so friendly and relaxed. There are golden beaches, crystal clear waters, exotic landscapes and in advertising all surf together in peace. Okay, there would be the hostile heat and deadly animals, but otherwise from morning to evening everything says „Hang Loose!“, right? Not correct! Because the darkest side of Australia is not due to nature, but the local death metal scene. One of its evil plants has claimed the name Faceless Burial and stood for its unmistakable and brutal sound of the old school since the first demo in 2015. The EP Multiversal Abattoir is their third fiendish sprout following the first full length album Grotesque Miscreation (September 2017) and was evoked from a hellish underworld at the end of last year known only to the band members Alex, Max and Fuj.

With „Sluiced In Celestial Sewerage“ Multiversal Abattoir starts, like its predecessor quiet and threatening. The crumbling of rocks can be heard. On a guitar a background music is played, which can not promise anything good. Otherwise it is quiet. For the last time stones are falling. Then the evil takes its course. „Theriomorphic Meconium Aspiration“ begins without warning with a riff reminiscent of Entombed’s Wolverine Blues. This is followed by volleys of heavy blast beats, shrieks that resound with stretch torture from the six-string-section, and a grudging, biting laryngeal chant that can be attributed to death metal, but would not be disdained even by the most elitist black metal supporters. The tracks „Piteous Sepulcher (of Amentia)“, „Fistulated Beyond Recognition“ and „Multiversal Abattoir“ carry on the torch and result in a grunting avalanche of ash and lava, until they have buried everything under them, that trys to resist the uncompromising dry mixed sound.

Faceless Burial’s Mutliversal Abattoir is like being exposed vulnerable to the Australian heat. It’s brutal, relentless and agony. Anything a death metal record should be. A strong, albeit short, release that makes you hungry for a new album.


© featured image: ME SACO UN OJO, BLOOD HARVEST, Metal Vault

Faceless Burial – Multiversal Abattoir, EP: Höllentor Down Under

Faceless Burial Multiversal Abattoir EP

Australien hat den Ruf einer der brutalsten Orte der Welt zu sein. Dabei sind seine Bewohner so freundlich und entspannt. Es gibt dort goldene Strände, kristallklares Wasser, exotische Landschaften und in der Werbung surfen alle miteinander in Frieden. Okay, da wären dann noch die lebensfeindliche Hitze und tödliche Tiere, aber sonst heißt es von morgens bis abends „Hang Loose!“, oder? Falsch! Denn die dunkelste Seite Australiens ist nicht der Natur geschuldet, sondern der lokalen Death-Metal-Szene. Eine ihrer düsteren Gewächse haben den Namen Faceless Burial für sich beansprucht und stehen seit ihrer ersten Demo um 2015 für einen unverkennbaren und brachialen Sound der alten Schule. Die EP Multiversal Abattoir erschien Ende letzten Jahres, nach ihrem ersten Album Grotesque Miscreation (September 2017) als drittes düsteres Erzeugnis und wurde aus einer höllischen Unterwelt heraufbeschworen, welche nur den Bandmitgliedern Alex, Max und Fuj bekannt ist.

Mit „Sluiced In Celestial Sewerage“ startet Multiversal Abattoir, wie schon der Vorgänger ruhig und bedrohlich. Das abbröckeln von Gestein ist zu hören. Auf einer Gitarre wird eine Hintergrundmusik gespielt, die nichts Gutes verheißen kann. Sonst ist es still. Ein letztes Mal fallen Steine. Dann nimmt das Unheil seinen Lauf. „Theriomorphic Meconium Aspiration“ beginnt ohne Vorwarnung mit einem Riff, dass an Entombed´s Wolverine Blues erinnert. Es folgen Salven von schweren Blast-Beats, Kreischen, dass durch Streckfolter an den Sechsseitern ertönt und eines grollend, beißenden Kehlkopfgesanges, der zwar dem Death-Metal zugeordnet werden kann, doch nicht einmal von den elitärsten Black-Metal-Anhängern verschmäht werden würde. Die Tracks „Piteous Sepulchre (of Amentia)“, „Fistulated Beyond Recognition“ und „Multiversal Abattoir“ tragen die Kunde weiter und ergeben sich in einer grollenden Lawine aus Asche und Lawa, bis sie alles unter sich begraben haben, dass sich gegen die Einverleibung des kompromisslos trocken abgemischten Sounds wehrt.

Faceless Burial´s Mutliversal Abattoir zu erleben ist wie der australischen Hitze schutzlos ausgesetzt zu sein. Es ist brutal, unerbittlich und eine Qual. Alles, was eine Death-Metal-Platte transportieren sollte. Ein starkes, wenn auch kurzes Release, dass den Hunger auf ein neues Album vergrößert.


© Beitragsbild: ME SACO UN OJO, BLOOD HARVEST, Metal Vault

Wide Eyes – Volume, LP: the arrival

Wide Eyes Volume LP

[english translation of: Wide Eyes – Volume, LP: die Ankunft]

In 2009, the mothership landed on Planet Earth, to drop the three musicians Chris Saniga (guitar, synthesizer, programming), Chris Vogagis (drums, guitar, synthesizer and drum programming) and Danny Cullman (keyboard, drums, guitar, synthesizer and drum programming). The mission of the multi-instrumentalists: to bring our world extraterrestrial awesome progressive metal. It was not clear for a long time whether the mission could be approved at all. Because Danny Cullman was at the beginning, the only member that had committed to the operation in Akron, Ohio (US). But when Vogagis and Saniga joined in, everything was suddenly in full swing. The first sign of life of the band should not just be a musical work of art according to the manual, but an extraordinary contribution to the earthly league of djentleman. Within three years, the team, working to the limit of their talents and with unbelievable zeal, made an astonishing selection, as it is known, of 50plus songs that were eligible for their debut. The final album Volume (2012) thus decorated a tracklist of 26 pieces, with a total length of over one hour and 40 minutes.

Wide Eyes Volume is realized in the mind of the listener, like an anomaly with the appearance of a glittering, strangely colored but beautiful gate into another world. And if you enter, there is no turning back. It’s an atmospheric journey that mesmerizes you with polyrhythms, tech-savvy shredding and electronic sound waves. It won´t end until the last note has been played. That’s why it’s so hard to highlight individual tracks. Not because there are no noteworthy moments, but because Volume lives on worthy moments. There would be the opener „Inception“, which, due to its glossy effects, indicates that the entry into another sphere takes place and later nice soft melodies lighten up the chaotic setting. The song „Hah!“ is made noticeable by creative riffs. In „Eskalofrio“, a fantastic solo takes place, which points to the omnipresent well-considered unique characteristics of each instrument. Then there is for example „Immortalize“. A track that stands out for the extensive use of dance and electronica motifs. „Uno“, in which speed changes play a decisive role. Or „Slipt“, where the moment of remembrance is a melodic rock passage that takes on almost classical values ​​and could have come from a composition by Queen. While most of the songs settle for between three and four minutes, the number 20 „demarciation“ remains at the top with 10 minutes and 45 seconds.

Although Volume’s biggest criticism is its exhausting scale of superlatives, this feature can not diminish the qualitative excellence of the narrow staffed band by their dedication. It is definitely a challenge to listen to the debut album of Wide Eyes as a whole, but it is a pleasure and no torment. Even recommended as inspiring background music. Once in the flow, both time and space are relativized. However, after this release, the group’s work was far from over. They released another three albums, the last one called Paradoxica in 2017, a single, an EP and a remaster of their right now lauded debut. And although the following works were much shorter, there is one statement from the band that still describes them best today: „We write way too much music.“ Let’s just hope that they will continue their mission on our fragile blue ball for a long time coming.


© featured image: Wide Eyes

Wide Eyes – Volume, LP: die Ankunft

Wide Eyes Volume LP

Um 2009 landete das Mutterschiff auf dem Planeten Erde, um die drei Musiker Chris Saniga (Gitarre, Synthesizer, Programmierung), Chris Vogagis (Schlagzeug, Gitarre, Synthesizer und Schlagzeug-Programmierung) und Danny Cullman (Keyboard, Schlagzeug, Gitarre, Synthesizer und Schlagzeug-Programmierung) abzusetzen. Der Auftrag der Multiinstrumentalisten: unserer Welt außerirdisch guten progressiven Metal zu bringen. Lange war nicht klar, ob die Mission überhaupt abgesegnet werden könnte. Denn Danny Cullman war zu Beginn, dass einzige Mitglied, dass sich dem Einsatz im US-amerikanischen Akron, Ohio, verschrieben hatte. Als jedoch Vogagis und Saniga dazustießen, war auf einmal alles im vollen Gange. Das erste Lebenszeichen der Band sollte nicht einfach nur ein musikalisches Machwerk nach Handbuch, sondern ein außergewöhnlicher Beitrag für die irdische Liga der Djentleman sein. Innerhalb von drei Jahren erarbeitete das Team unter maximaler Beanspruchung ihrer Talente und durch unglaublichen Arbeitseifer eine erstaunliche Auswahl, so erzählt man sich, von 50plus Songs, die für ihr Debüt infrage kamen. Das finale Album Volume (2012) schmückte somit eine Tracklist aus 26 Stücken, mit einer Gesamtlänge von über einer Stunde und 40 Minuten.

Wide Eyes Volume verwirklicht sich im Verstand des Hörers, wie eine Anomalie mit dem Erscheinungsbild eines glitzernden, merkwürdig gefärbten, aber wunderschönen Tores in eine andere Welt. Und tritt man ein, gibt es kein zurück. Es ist eine atmosphärische Reise, die einen durch Polyrhythmen, technisch versiertes Shredding und elektronische Soundwellen hypnotisiert. Sie endet, wenn der letzte Ton gespielt wurde. Deshalb ist es so schwer einzelne Tracks herauszustellen. Nicht, weil es keine nennenswerten Momente gibt, sondern weil Volume von nennenswerten Momenten lebt. Da wären der Opener „Inception“ der durch seine zu Beginn glänzenden Effekte zu verstehen gibt, dass der Eintritt in eine andere Sphäre efolgt und später im Chaos sanfte Melodien aufscheinen lässt. Der Song „Hah!“ der sich durch kreative Riffs bemerkbar macht. In „Eskalofrio“ findet ein fantastisches Solo statt, welches auf die omnipresenten Alleinstellungsmerkmale jedes Instrumentes hinweist. Dann ist da beispielsweise „Immortalize“. Ein Track der durch die ausgiebige Verwendung von Dance- bzw. Electronica-Motiven hervorsticht. „Uno“, in dem Geschwindigkeitswechsel eine maßgebende Rolle spielen. Oder „Slipt“, dessen gedenkwürdiger Augenblick eine melodische Rockpassage ist, die nahezu klassische Werte annimmt und aus einer Komposition von Queen stammen könnte. Während sich die meisten Songs bei einer Dauer zwischen drei und vier Minuten einpendeln, verbleibt die Nummer 20 „Demarciation“ mit 10 Minuten und 45 Sekunden weit abgeschlagen an der Spitze.

Obwohl der größte Kritikpunkt Volume´s, dessen Ausmaß der Superlative ist, kann dieses Merkmal die qualitative Höchstleistung der schmal besetzten Band durch ihre Hingabe nicht schmälern. Es ist definitiv eine Herausforderung das Debütabum Wide Eyes im Ganzen durchzuhören, doch es ist ein Genuss und keine Qual. Empfehlenswerterweise gar als inspirierende Hintergrundmusik. Einmal im Flow angekommen relativiert sich sowohl Zeit als auch Raum. Nach diesem Release war die Arbeit der Gruppe allerdings noch lange nicht getan. Sie veröffentlichten weitere drei Alben, dass letzte mit dem Namen Paradoxica in 2017, eine Single, eine EP und ein Remaster ihres hier gepriesenen Debüts. Und obwohl die folgenden Werke deutlich kürzer ausfielen, gibt es eine Aussage der Band, die sie heute noch immer am besten beschreibt: „We write way too much music.“ Bleibt nur zu hoffen, dass sie ihre Mission auf unserer blauen Kugel noch lange fortsetzen werden.


© Beitragsbild: Wide Eyes

Turnover – Peripheral Vision, LP: hello euphoria

Turnover Peripheral Vision LP

[english translation of: Turnover – Peripheral Vision, LP: Hallo Euphorie]

There is so much to accomplish in this life, so much to do and to satisfy. So much to earn without an awareness of what it should be spent on. So many open doors that can be entered. And behind each of them hides a new path that could lead to happiness and success. But there is not enough time to give each of them a chance. And it’s so easy to lose your mind when you’re not being stopped by natural boundaries. When everything seems possible and at the same time unreachable. For a simple cog in a machine of excess, where fuel is stress and pressure. A futuristic nightmare that people already live. If you feel addressed, you should stay tuned because there is a musical antidote to this kind of modern madness. The name: Turnover.

Turnover is a band from Virginia Beach, Virginia (US) that has undergone an interesting development throughout its history. Starting in 2009 as a pop-punk band, around 2011 they brought their self-titled EP on the radar, which already had audible emo-rock influences. But that was not the end of the transformation. While their first album called Magnolia (2013), still internalized a harder sound, but already seemed much more dreamy, in 2017 the Dream Pop release Good Nature appeared, that instrumental clearly had moved away from their roots. Within the past four years, however, Turnover had not been idle. In addition to two EPs (Blue Dream, Humblest Pleasures), each of which acted as links to and before the aforementioned publications, in 2015 the album Peripheral Vision was an unforgettable evolutionary transitional form.

Still not quite as tame, playful and with more bite than its follow-up Good Nature, Peripheral Vision became the generally acclaimed peak of the band. Turnover had long since turned away from their catchy punk image and were now completely caught up in shoegazing. With songs such as „New Scream“ and „Hello Euphoria“, the field of vision was also lyrically multiplied, that now no longer focused exclusively on interpersonal relationships only, but took a clear reference to a life away from social standards.

Adolescent dreams gave to adult screams
Paranoid that I do not have all the things I say
What if I do not want a pattern on my lawn?
All I know is something’s wrong because everyday I’m

Craving that new scream …

– New Scream

Basically, however, the relationship to others remained the lifeblood of poetic texts about falling in love, emotional states and the intense influence of drugs and prescriptioned medication on sentiments towards friends and family.

„Bass guitarist Dempsey told Billboard about the meaning of this song:“ „Take My Head is about how it could be the best day and you’re surrounded by happy things, but you still want to be pissed off and sit by yourself.“

Without including the tracklist, it’s hard to tell where Peripheral Vision starts and ends. The second LP Turnovers is a homogenous mass of light rhythms and psychedelic melodies in the footsteps of Slowdive and My Bloody Valentine, which make you close your eyes. For 11 songs it means sinking in an ocean out of the things that rob you of sleep at night, to re-emerge after their deeper understanding and to breathe into a relieved soul.


© featured image: Run for Cover Records, Bandcamp

Turnover – Peripheral Vision, LP: Hallo Euphorie

Turnover Peripheral Vision LP

Es gibt in diesem Leben so viel zu erreichen, so viel zu tun und einzuhalten. So viel zu verdienen, ohne dass ein Bewusstsein dafür herrscht, wofür es ausgegeben werden soll. So viele offene Türen, die betreten werden können. Und hinter jeder von ihnen verbirgt sich ein neuer Weg, der ins Glück und zu Erfolg führen könnte. Doch da ist zu wenig Zeit, um jeder von ihnen eine Chance zu geben. Und es ist so leicht den Verstand zu verlieren, wenn einem kein Einhalt durch natürliche Grenzen geboten wird. Wenn alles möglich scheint und gleichzeitig unerreichbar ist. Für ein einfaches Zahnrädchen in einer Maschinerie der Maßlosigkeit, deren Treibstoffe Stress und Druck sind. Ein futuristischer Alptraum, den die Menschen schon jetzt leben. Wer sich angesprochen fühlt, der sollte dranbleiben, denn es gibt ein musikalisches Gegengift für diese Art des modernen Wahnsinns. Der Name: Turnover.

Turnover ist eine Band aus Virginia Beach, Virginia (US), die im Laufe ihrer Geschichte eine interessante Entwicklung durchmachte. Angefangen als Pop-Punk-Band im Jahre 2009, brachten sie 2011 ihre selbstbetitelte EP auf die Bildfläche, die bereits hörbare Emo-Rock-Einflüsse hatte. Doch damit war ihre Verwandlung noch lange nicht abgeschlossen. Während ihr erstes Album mit dem Namen Magnolia, um 2013 weiterhin einen härteren Sound innehielt, aber bereits deutlich verträumter anmutete, erschien Mitte 2017 das Dream-Pop-Release Good Nature, dass sich instrumental deutlich von ihren Wurzeln entfernt hatte. Innerhalb der inzwischen vergangenen vier Jahre waren Turnover jedoch nicht untätig gewesen. Neben zwei EPs (Blue Dream, Humblest Pleasures), die jeweils als Bindeglieder nach und vor den genannten Veröffentlichungen fungierten, erschien 2015 mit dem Album Peripheral Vision eine unvergessliche evolutionäre Übergangsform.

Noch nicht ganz so handzahm, verspielter und mit mehr Biss als der Nachfolger Good Nature konstituierte sich Peripheral Vision als allgemein gefeierter Peak der Band. Turnover hatten sich längst von ihrem eingängigen Punk-Image abgewandt und waren nun vollkommen beim Shoegazing hängen geblieben. Mit Songs, wie „New Scream“ und „Hello Euphoria“, vervielfältigte sich auch lyrisch das Blickfeld, dass sich nun nicht länger ausschließlich auf zwischenmenschliche Beziehungen konzentrierte, sondern einen deutlichen Bezug auf ein Leben abseits des gesellschaftlichen Standards nahm.

Adolescent dreams gave to adult screams
Paranoid that I won’t have all the things they say I need
What if I don’t want a pattern on my lawn?
All I know is something’s wrong because everyday I’m

Craving that new scream …

– New Scream

Grundsätzlich blieb jedoch das Verhältnis zu anderen das Lebenselixier der poetischen Texte über das Verlieben, emotionale Zustände und den intensiven Einfluss von Drogen und verschreibungspflichtigen Medikamenten auf die Empfindungen für einem nahestehende Menschen.

„Bass guitarist Dempsey told Billboard about the meaning of this song:“ „Take My Head is about how it could be the best day and you’re surrounded by happy things, but you still want to be pissed off and sit by yourself.“

Ohne die Tracklist mit einzubeziehen ist es schwer zu sagen, wo Peripheral Vision beginnt und endet. Die zweite LP Turnovers ist eine homogene Masse aus leichten Rhythmen und psychodelischen Melodien in den Fußspuren von Slowdive und My Bloody Valentine, welche einem die Augen schließen. Für 11 Songs heißt es dann in einem Ozean aus den Dingen zu versinken, die einem nachts den Schlaf rauben, um nach ihrem tieferen Verständnis wieder aufzutauchen und in eine befreite Seele einzuatmen.


© Beitragsbild: Run for Cover Records, Bandcamp

Carlton – Carlton [Deluxe Edition], EP: crash course in lightheartedness

Carlton Carlton Deluxe Edition EP

[english translation of: Carlton – Carlton [Deluxe Edition], EP: Schnellkurs in Unbeschwertheit]

The dance: a sanctuary. The persona: a legend. The fictional character Carlton Banks might be known to most people as the feisty supporting act from the ’90s hit sitcom The Fresh Prince of Bel-Air. Once embodied by Alfonso Ribeiro, he achieved a cult status that skillfully neutralized Will Smith’s stalwart standing as one of the most sought-after newcomers on television screens at that time. His roguish mustache, knavish smile and passionate reputable attitude brought to light his very own style, which, coupled with his affinity for outbreaks of maximum lightheartedness, developed into an unprecedented combo-breaker.

Thus, the indignation was legitimate as the publisher Epic Games unannounced misused the embodied aura of the master in the form of his own created moves. This faux pas was not a question of justice, which, moreover, could not be asserted, but of decency. But where there is room for indifference, there are always hoards of appreciation. A seemingly anonymous Internet musician dedicated a whole project to the name Carlton some time ago including a homonymous mini-album. Recently, the deluxe edition has become an extension of the previous release. Carlton by Carlton is a crash course for lightheartedness. An introduction to the lessons of venting one’s sorrow.

„Even in no time at all, you can free yourself from the stress of daily life, the preservation of exemplary etiquette, and your worries about an uncertain future without the least amount of effort. I’m Carlton and show you how to do it.“

One way or another, words like these resonate as the song Competition heralds the album in old-school hip-hop fashion. Ensuing Soda Pop delivers the soundtrack for relieving stretching exercises with light funk beats. The track Bel-Air Groove brings more class through the use of dazzling wind instruments, as one should always be ready for a sudden upcoming soiree. Is it all going to be a long walk? Or even a relaxing day on the beach? To Cruise Control, the muscles regain strength in an instant and pinched nerves are being solved easily. The arrangement is staged by two renewed classics. Carlton (Remastered) offers the space for a relaxed atmosphere and time to take stock of oneself, before Fresh (Remastered) decays unobtrusively but recovering, back into a world of responsibility and posture. Until a distant fainting echo says:

„It was a great pleasure for me again. I am Carlton, your coach for expressive dance and mental balance. Stay carefree. I see you next time.“


© featured image: Carlton & Cloud Vault, bonzibuddy.exe

Carlton – Carlton [Deluxe Edition], EP: Schnellkurs in Unbeschwertheit

Carlton Carlton Deluxe Edition EP

Der Tanz: ein Heiligtum. Die Persona: eine Legende. Die Kunstfigur Carlton Banks wird den meisten Menschen als quirlige Nebenrolle aus der 90er-Jahre-Hit-Sitcom Der Prinz von Bel-Air bekannt sein. Einst verkörpert von Alfonso Ribeiro erreichte sie einen Kultstatus, der Will Smiths unerschütterliches Standing als einer der gefragtesten Newcomer auf den Fernsehbildschirmen gekonnt zu neutralisieren wusste. Sein schelmischer Oberlippenbart, das verschmitzte Lächeln und seine leidenschaftlich zugeknöpfte Attitüde brachten einen eigenen Stil zu Tage, der sich in Verbindung mit seiner Affinität zu Ausbrüchen maximaler Unbeschwertheit zu einem noch nie dagewesenen Combo-Breaker entwickelte.

Somit war die Entrüstung legitim als sich der Publisher Epic Games unangekündigt an der verkörperlichten Aura des Meisters in Form seiner eigens kreierten Moves bediente. Dieser Fauxpas war keine Frage der Gerechtigkeit, die ferner nicht geltend gemacht werden konnte, sondern des Anstandes. Doch dort wo Platz für Gleichgültigkeit ist, gibt es auch immer Horte der Wertschätzung. Ein weitgehend anonymer Internetmusiker widmete dem Namen Carlton bereits vor einiger Zeit ein ganzes Projekt inklusive eines homonymischen Mini-Albums. Vor kurzem erschien mit der Deluxe Edition eine Erweiterung des bisherigen Releases. Carlton von Carlton ist ein Schnellkurs für Unbeschwertheit. Eine Einführung in die Lehren des fortschrittlichen Dampfablassens.

„Auch Sie können sich in Sekundenschnelle ohne jegliche Vorkenntnisse von alltäglichem Stress, der Wahrung einer vorbildlichen Etikette und den Sorgen über eine ungewisse Zukunft befreien. Ich bin Carlton und zeigen Ihnen, wie es geht.“

Solche oder so ähnliche Worte, hallen einem durch den Kopf, während der Song Competition das Album in Old-School-Hip-Hop-Manier einläutet. Folgend liefert Soda Pop mit leichten Funk-Beats den Soundtrack für entlastende Dehnübungen. Der Track Bel-Air Groove bringt durch den Einsatz von schillernden Blasinstrumenten mehr Klasse ins Spiel, da man sein Gemüt auch für plötzlich anstehende Abendveranstaltungen wappnen sollte. Soll es auf einmal ein ausgedehnter Spaziergang sein? Oder gar ein entspannender Tag am Strand? Zu Cruise Control lassen sich die Muskeln im Nu in Wallung bringen und eingeklempte Nerven problemlos lösen. Der Abschluss erfolgt durch zwei aufbereitete Klassiker. Carlton (Remastered) bietet Raum für eine lockere Atmosphäre und Zeit in sich zu gehen, bevor Fresh (Remastered) den eigenen Geist unaufdringlich, jedoch genesen zurück in eine Welt der Verantwortung und Haltung entlässt. Bis einem zum Abschied ein kleiner werdendes Echo sagt:

„Es war mir wieder eine große Freude. Ich bin Carlton, ihr Coach für Ausdruckstanz und mentale Balance. Bleiben Sie unbeschwert und bis zum nächsten Mal.“


© Beitragsbild: Carlton & Cloud Vault, bonzibuddy.exe

Daisyhead – I Couldn´t Face You, EP: embarrassed, locked up, lost

Daisyhead I Couldn´t Face You EP

[english translation of: Daisyhead – I Couldn´t Face You, EP: verlegen, verschlossen, verloren]

The year 2013 solidified the beginning of a new wave of emo-rock in the United States. Bands such as Citizen, Have Mercy and Superheaven released their debut albums and established a sound that influenced the traditional melancholic timbre with harsh riffs and driving drum beats. Something similar already had been made around 2011 by the groups Basement and Balance and Composure. However, the big hype should start just two years later. A quartet called Daisyhead from Nashville, Tennessee, was in on it, too and became a talking point with their EP I Couldn’t Face You. These musicians combined the ancient tenderness of the genre with a grunge vibe à la Nirvana and lyrics that can be classified between despair about the monotony of things, immutability of tragic events and longing for a more positive attitude to life.

I have a life outside my mind
But I am trapped inside
Remembering nothing
Wanting for no one
So damn hollow

– Numbing Truth

With a short of four songs, I Couldn’t Face You offered enough spectrum to highlight the band’s potential. The result was a well-balanced ratio of heavy chord progressions, that caused a groovy feeling through sharp changes of direction, which invited the listener to lethargic headbanging here and there. And even today, the band’s debut album is a decent starting point to familiarize oneself with the alternative side of Emo-Rock. The songs Numbing Truth and the eponymous track I Couldn’t Face You are sold by the offered riff-101 in any way but progressive, but make amends with long pauses for lulling melodies and sensitive picking. The track Sun surprises with a hymnic temperament that becomes easy to enjoy with a growing post-rock-approach as the song continues. Eventually, I Couldn’t Face You ends up on a soft note with the rocky but equally gentle What’s Done Is Done. A rounding factor that gives Daisyhead’s music its own face always has been the bright voice of singer Michael Roe, who contrasts nicely with the more weighed down tone of the instruments.

The end of 2018 saw the new EP I’ve Been Better, the sixth release of the band, which blended in fine in a discography that is still untrodden of major experiments. For this circumstance Daisyhead had to accept mixed ratings of their albums over the years. However, if they are praised, it is that they always produce a consistently qualitative emo-rock based on the principle of „never change a winning sound“.

My burning mind
Can’t turn back time
What’s done is done
What’s done is done

– What’s Done Is Done


© featured image: Spartan Records